Forschung

Hören und Gehört-werden

 

Schulische Alltagswelt heutiger Jugendliche lässt nur wenig Raum für eigene Kreativität. Gleichwohl zählt die Herausbildung von Wahrnehmung und Gestaltungsfähigkeit zu einem wichtigen Teil der Subjektwerdung, der in der Theaterarbeit spielerisch unterstützt werden kann. Eröffnet das theatrale Spiel im Sinne von Brechts Lehrstücktheorie jungen Menschen die Möglichkeit, sich in einem geschützten Rahmen mit gesellschaftlichen Entwicklungen auseinanderzusetzen[1] und dabei Selbstdarstellung und -wahrnehmung zu praktizieren, so kann dieses transformatorische Potenzial durch die Beschäftigung mit Musik und Klängen verstärkt werden.[2]

Gerade in Projekten, in denen die Exploration des Materials, das Sichten und Ordnen, die szenische Einrichtung (eventuell auch die schriftliche Fixierung) auch auf Sounds und Klänge ausweitet werden, bietet sich die Gelegenheit – auf Grundlage eines erweiterten Materialbegriffs im Sinne John Cages – Zugänge zur zeitgenössischen Musik zu schaffen und dabei Gestaltungs- und Reflexionsmöglichkeiten aufzuzeigen, die nicht auf der Spiel- und Musizierebene stecken bleiben, sondern auch die sozialen Erfahrungen innerhalb eines Projektes stärken. Gerade wenn sich die Theatermacher*innen in Projektentwicklungen darum bemühen, mit den Projektteilnehmer*innen das Klangpotenzial von alltäglichen Materialien (Holz, Papier, Wasser, Küchenutensilien etc.) zu erforschen oder jugendliche Hörgewohnheiten (popkulturelle, europäische, außereuropäische) zu befragen, kann daraus eine Gemeinschaftskomposition entstehen, die bei den Mitwirkenden ein hohes Identifikationspotenzial stiftet. Im Zentrum dieser Arbeit steht nicht das perfekte Reproduzieren einer Komposition, sondern die Erfahrung von „körperlicher Intensität, da Klänge ausprobiert, gehört, diskutiert und geübt werden müssen“[3]. Gleichzeitig können im musikalisch-szenischen ‚Tun‘ Verhaltensweisen reflektiert werden: Wie nehme ich etwas wahr? Wie nehme ich andere wahr? Höre ich anderen zu? Werde ich gehört? Welche Konsequenzen hat das eigene Handeln und was können wir als Gruppe erreichen?[4] Immer steht beim Musizieren und Gestalten die Kommunikation und Interaktion zwischen Individuen, also die „sozialen und emotionalen Seiten des Hörens“[5] im Mittelpunkt. 

Zentral ist aber auch das Gehört-werden von Stimmen einer jugendlichen Zielgruppe, die ansonsten in einem institutionalisierten Theater nicht wahrnehmbar sind. Damit erhält das gemeinsame Musizieren, Singen und Sprechen eine zentrale Stellung im Theater für junges Publikum. Die Funktionalisierung gemeinsamen Musizierens – sei es singend oder spielend – kann dabei sehr unterschiedlich sein, geht es doch „um ein komplexes Wechselspiel verschiedener Stimmen in einem dialektischen Miteinander und Nebeneinander von individuellem musikalischem Ausdruck und überindividuellem Zusammenklang“[6]. Gerade in Probenprozessen mit Jugendlichen können sich Verhandlungsräume[7] öffnen, die aufgrund ihres Produktionsverständnisses Versuchsanordnungen gesellschaftlichen Zusammenlebens sein können. Gruppenorientiertes Musizieren und Gestalten eröffnet ein gemeinschaftliches Erleben, das sich in seiner Verweishaftigkeit auf das Potenzial eines gemeinschaftlichen Handelns nach außen – also auch auf die Zuschauer*innen und Zuhörer*innen – überträgt. Hier setzen die Vermittlungsabteilungen vieler Häuser an und erweitern ihre Theaterarbeit in den Stadtraum hinein. So stellt sich etwa das JOIN der Jungen Oper Stuttgart in Soundmarket zusammen mit Kindern einer Flüchtlingsunterkunft die Frage wie die Stadt und ihre einzelnen Stadtteile klingt. Ausgangspunkt waren erste Geräusch- und Klangexperimente die z.B. bestimmte Bühnensituationen erkundeten. Eine ganz besondere Faszination übte die Loop-Station auf die Teilnehmer*innen aus, da sich durch das Übereinanderlegen verschiedenster Klangspuren auf sehr einfache Weise Klanggeschichten erzählen lassen.

In der nächsten Zeit folgen Projekteinblicke u.a. in das Outreach-Projekt Kinder an die Macht des UFOs (Junge Oper Urban) der Deutschen Oper am Rhein Düsseldorf/Duisburg sowie des Opernlabs Die Kaugummi-Göttin der Abteilung Jung! – Wiener Staatsoper.

Dabei kommen sowohl die beteiligten Jugendlichen, als auch die Macher*innen zu Wort.

Fotonachweis: Der UFO-Aufbau auf dem Portsmouthplatz. Foto: Jo Alex Berg.

Theater Basel, “Murmeli” (UA 2017)

Inszenierung von Wahrnehmung – Zum Gegenstandsbezug im zeitgenössischen Musiktheater für jüngstes Publikum

Im kleinen Saal des Theaters Basel, eine Aufführung von Murmeli (UA 2017) für Kinder bis zu zwei Jahren mit ihren Eltern: Der Raum ist erfüllt von verschiedenen Klängen, die Assoziationen an eine Berglandschaft hervorrufen. Für das junge Publikum scheinen diese konkreten Geräusche jedoch weniger interessant zu sein – sie erkunden mit allen Sinnen all das, was das Bühnenbild bereithält. Da sind die kleinen grünen Bäume und Steine auf dem Boden, die weichen Filzmatten in Grau- und Beigetönen sowie der Wasserzuber. Dazwischen die Rufe von Murmeltieren und Kuckuck. Eine eigentliche Handlung gibt es nicht. Vielmehr besteht das Geschehen aus musikalisch-szenischen Aktionen zwischen den drei Performer*innen und dem Publikum, bei denen es um das Produzieren und Erkunden von Klängen oder um das Beobachten und Tasten von Gegenständen geht.

Diese besondere Form des Musiktheaters zielt nicht auf theatrale Repräsentation oder klassisches Musizieren, sondern auf das Anstoßen ästhetischer Erfahrungsprozesse im Erforschen von (Klang-) Materialien. Zurückgehend auf das ‚Theater von Anfang‘ an, das in den 2000er Jahren im Bereich der frühkindlichen kulturellen Bildung entstand, werden Kinder dabei zu aktiv Lernenden, zu Forscher*innen und Konstrukteur*innen (vgl. Laewen/Andres 2002). Der Bühnenraum wird zum Bildungsraum, in dem (Klang-) Gegenstände sowie die Zuschauer*innen und Akteur*innen in ein aktives gemeinsames Gestalten entlang eines szenischen Konzeptes treten (vgl. Westphal 2014, S. 6). Das musikalisch-szenische Material wird dabei weder als „komponierte Gegenständlichkeit noch als Entfaltung gedanklich-konzeptioneller Vorstellungen“ aufgefasst, sondern als eine „Dimensionierung sinnlicher Wahrnehmung“ (Schatt 2021, S. 177). Die Ko-Präsenz von Performer*innen und Zuschauer*innen im Raum lässt ein enges Beziehungsgeflecht aus Zuschauen, Zuhören und Interaktion entstehen, das an eine gemeinsame Präsenzerfahrung gekoppelt ist, gleichzeitig aber auch an der Erfahrungswelt des Publikums anknüpft. Zuschauen, Zuhören und körperliches Erleben treten als aktives „Tun“ (Waldenfels 2013, S. 195) in Erscheinung und sind dabei im Akt des Wahrnehmens verbunden: Es geht um ein Sich-Einlassen auf Bilder, Klänge, Rhythmen oder Tanz – um eine Erfahrung sinnlicher Präsenz im Hier und Jetzt (vgl. Seel 2003, S. 160). Dabei erhält das Staunen einen Moment der ästhetischen Hingabe, also ein Innehalten im Moment (vgl. Gess 2019, S. 7), wodurch die „Kontinuität alltäglicher Wahrnehmung“ (Duncker 2018, S. 74) durchbrochen wird.

In den vergangenen zehn Jahren haben sich im Musiktheater postdramatische Erzählformate herausgebildet, die das theatrale Erzählen von der Darstellung logisch-kausaler Erzählzusammenhänge auf das Bewusstmachen sinnlicher Wahrnehmungsvorgänge verschoben haben (vgl. Plank 2019, S. 133). Die Wahrnehmung als eine „besondere Form einer kreativen Handlung“ (Fischer-Lichte 2002, S. 298) wird in das dramaturgische Konzept integriert, bei dem Hör- und Sehereignisse als körperliche Wahrnehmung miteinander verbunden sind (vgl. Schmicking 2003, S. 286).

(Klang-) Objekte oszillieren zwischen realen Alltagsgegenständen und inszenierten Bühnenrequisiten, zwischen Funktionsgegenstand und eigenständigem ‚Akteur‘. Sie durchlaufen eine „Artifizierung“ (Dissanayake 2001, S. 218) und werden zu etwas Besonderem.

Der Vortrag beleuchtet ein besonderes Feld der Musikvermittlung und des Musiktheaters, das sich in der Praxis durch eine hohe Interdisziplinarität auszeichnet und in der Forschung und Wissenschaft v.a. von ästhetischen Zugriffen geprägt ist. Anhand einiger Beispiele aus der aktuellen, postdramatischen Musiktheater-Praxis für jüngstes Publikum sollen im Vortrag Umgangsweisen mit Dingen und Material vorgestellt werden, ihre Bedeutung für eine vertiefte Wahrnehmung der Publika herausgearbeitet und schließlich einige Ausblicke für die künstlerisch-pädagogische Praxis diskutiert werden.

Literatur:

Dissanayake, Ellen (2001). Kunst als menschliche Universalie. Eine adaptionistische Betrachtung. In: Hejl, Peter M. (Hg.). Universalien und Konstruktivismus. Frankfurt a. M.: Suhrkamp Verlag. S. 206-234.

Droste, Gabi dan (2013): Theater von Anfang an. Online verfügbar unter https://www.kubi-online.de/artikel/theater-anfang (16.02.2023).

Gees, Nicola (2019). Staunen – Eine Poetik. Göttingen: Wallstein Verlag.

Laewen, Hans-Joachim/Andres, Beate (2002): Forscher, Künstler, Konstrukteure. Weinheim/Berlin/Basel: Beltz.

Plank-Baldauf, Christiane (2019): Zur Performanz des Hörens und des Sehens im Musiktheater für junges Publikum. In: Dies. (Hg.): Praxishandbuch Musiktheater für junges Publikum. Stuttgart: Metzler Verlag.

Schatt, Peter W. (2021): „geschichtlich durch und durch“? Überlegungen zur musikpädagogischen Relevanz einer kulturwissenschaftlichen Perspektive auf das ‚musikalische Material‘. In: Hasselhorn, Johannes/Kautny, Oliver/Platz, Friedrich (Hg.): Musikpädagogik im Spannungsfeld von Reflexion und Intervention. Münster: Waxmann. S. 173-190.

Schmicking, Daniel (2003): Hören und Klang. Würzburg: Verlag Königshausen & Neumann.

Seel, Martin (2003): Ästhetik des Erscheinens. Frankfurt a. M.: Suhrkamp.

Tervooren, Anja/Kreitz, Robert (2018): Dinge und Raum in der qualitativen Bildungs- und Biographieforschung. Verlag Barbara Budrich: Opladen, Berlin, Toronto.

Waldenfels, Bernhard (2013). Sinnesschwellen. Frankfurt a. M.: Suhrkamp.

Westphal, Kristin (2014): Phänomenologie als Forschungsstil und seine Bedeutung für die kulturelle und ästhetische Bildung. Online verfügbar unter https://www.kubi-online.de/artikel/phaenomenologie-forschungsstil-seine-bedeutung-kulturelle-aesthetische-bildung (22.5.2023).

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